Paul Poiret x Musée des Arts décoratifs

Die Ausstellung widmet sich umfassend der Arbeit von Paul Poiret, einem Couturier, der 1903 den Schritt in die Selbstständigkeit wagte. Zuvor arbeitete er bei Charles Frederick Worth, dem „Erfinder der Haute Couture“, dem ebenfalls im Jahr 2025 eine Ausstellung im Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris gewidmet wird.

• 1879 – Paul Poiret wird am 20. April in Paris geboren. Sein Vater ist Tuchhändler und er wächst gemeinsam mit drei älteren Schwestern auf.

• 1882 – Zunächst geht er bei einem Schirmmacher in die Lehre, doch sein Herz schlägt schon für die Mode. Er verkauft einige seiner Skizzen an das Modehaus Raudnitz, was den Beginn seiner Arbeit als freischaffender Designer markiert.

• 1898 – Beim französischen Modeschöpfer Jacques Doucet lernt er den Umgang mit Stoffen sowie das präzise Zuschneiden.

• 1901 – Er beginnt für Charles Frederick Worth zu arbeiten, doch seine Entwürfe sind für die Maison Worth zu extravagant.

• 1903 – Er macht sich mit seinem eigenen Salon selbstständig.

• 1908 – Paul Poiret ist der erste Couturier, der seine Entwürfe illustrieren lässt und in einem Album veröffentlicht. Die erste Ausgabe erscheint in 250 Exemplaren.

  

  

  Im Gegensatz zu den Entwürfen seiner Zeitgenossen sind Poirets Modelle erstmals ohne Korsett tragbar und wirken dabei nicht nur modisch, sondern ausgesprochen elegant – für die damalige Zeit eine echte Revolution. Er führt sogar Hosenröcke ein, die bislang nur von Radfahrerinnen getragen werden, und erweitert damit die Möglichkeiten der Damenmode erheblich.

• 1911 – Aus heutiger Sicht macht Poiret einen kleinen Rückschritt in Sachen Modeemanzipation, als er den sogenannten Humpelrock entwirft. Im gleichen Jahr gründet er die Schule Les Ateliers de Martine, benannt nach seiner jüngeren Tochter, in der junge Mädchen nach den Prinzipien der Wiener Werkstätte ausgebildet werden. Seinem älteren Kind, Rosine, widmet er das Unternehmen Parfums de Rosine. Mit diesen Duftkreationen auf Basis von Rosen gilt Poiret lange vor Coco Chanel als einer der ersten Couturiers, der ein Parfum-Haus etabliert.

  

• 1929 – Aufgrund der Wirtschaftskrise muss das Modehaus geschlossen werden.

• 1944 – Der Designer stirbt am 28. April in Paris.

Ich habe die Ausstellung am 6. September 2025 besucht und mich etwa 90 Minuten im Musée des Arts décoratifs aufgehalten. Im Folgenden zeige ich Bilder, die die einzelnen Epochen chronologisch widerspiegeln. Da ich mich in erster Linie auf den Aspekt der Mode konzentriert habe, erhebt dieser Artikel keinen Anspruch auf Vollständigkeit.

Selbstverständlich können diese Bilder und meine persönlichen Eindrücke einen Besuch im Museum nicht ersetzen.

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THE FORMATIVE YEARS

Paul Poiret, 1879 in Paris als Sohn eines Tuchhändlers geboren, erlebte schon als Kind die Weltausstellung von 1889 und entwickelte früh eine Leidenschaft für Kunst, Theater und Mode. Mit ersten Entwürfen, die er an bekannte Couturiers wie Madame Chéruit und Jacques Doucet verkaufte, fand er schnell seinen Weg in die Pariser Modewelt. 1901 wurde er schließlich von Gaston Worth engagiert, um frische und jugendliche Kollektionen zu entwerfen. Dieser Schritt legte den Grundstein für seine Karriere als einflussreicher Modeschöpfer.

THE COUTURIER’S BEGINNINGS

1903 gründete Paul Poiret sein Couture-Haus im Pariser Opernviertel, finanziert durch ein Darlehen seiner verwitweten Mutter. Schon bald feierte ihn die Presse als großen Innovator. 1905 heiratete er Denise Boulet, die zu seiner Muse wurde. Seine Kollektion von 1907 gilt als Manifest seines Stils: Schmale, gerade Kleider, der Abschied vom Korsett und die Einführung des Büstenhalters prägten seine neue Ästhetik.

Um seine Entwürfe zu präsentieren, die durch kühne Material- und Farbkombinationen auffielen, ließ Poiret 1908 das Buch Les Robes de Paul Poiret racontées par Paul Iribe veröffentlichen. 1909 eröffnete er auf der Avenue d’Antin neue Salons in einem Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert, dessen französischer Garten als märchenhafte Kulisse für Modenschauen diente. Mit einer Neugestaltung des Interieurs durch Louis Süe wurde das Haus zu einem gesellschaftlichen Treffpunkt der Pariser High Society in unmittelbarer Nähe der Champs-Élysées.

ARTISTIC COLLABORATIONS

Der Modeschöpfer Paul Poiret war nicht nur ein Pionier der Couture, sondern auch ein leidenschaftlicher Kunstliebhaber. Früh erkannte er die Bedeutung der Fauves, einer Künstlergruppe um Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck und Raoul Dufy. Diese „wilden Tiere“, wie sie spöttisch genannt wurden, revolutionierten die Malerei um 1905 durch den Einsatz von reinen, leuchtenden Farben und einer expressiven Malweise, bei der die Farbe wichtiger war als die realistische Darstellung.

Poiret ließ sich von dieser künstlerischen Bewegung inspirieren und holte junge Talente in sein Modehaus: Raoul Dufy entwarf Stoffmuster, Vlaminck gestaltete Knöpfe, und 1911 veröffentlichte Georges Lepape ein Album mit Poirets Kreationen in kunstvollen Schablonendrucken. Auch andere kreative Köpfe wie José de Zamora, Victor Lhuer und später die avantgardistische Fotografin Germaine Krull arbeiteten für ihn.

DRESSING DANCERS AND ACTRESSES ON THE STREETS AND ON STAGE

1909 eroberte Sergei Diaghilevs Ballets Russes Paris und revolutionierte mit ihrer Ästhetik die Kunstwelt. Die Tänzer Vaslav Nijinsky und Tamara Karsavina galten als Sensationen. Im Jahr darauf besuchten die Poirets die Premiere von Scheherazade, inszeniert im imaginären Orient mit Kostümen und Bühnenbildern von Léon Bakst. Poiret war fasziniert von diesem Gesamtkunstwerk und der Harmonie von Musik, Choreografie und Bühnenbild.

Auch andere Tanzformen begeisterten ihn, besonders die freien Bewegungen Isadora Duncans und Nyota Inyokas Einbindung indischer Folklore. Natalia Goncharova, verbunden mit den Ballets Russes, entwarf 1921 ein Kostüm für die Tänzerin Caryathis, die Poiret in seinem Theater L’Oasis auftreten ließ.

TRAVEL: MARKETING TOOL AND SOURCE OF INSPIRATION

Um die internationale Verbreitung seiner Kreationen zu fördern, unternahm Paul Poiret im Winter 1911–1912 mit seiner Frau und neun Models in einheitlicher Kleidung eine ausgedehnte Autoreise durch europäische Hauptstädte. Trotz schwieriger Grenzübertritte führte seine Route von Frankfurt über Berlin, Potsdam, Warschau, Moskau, Sankt Petersburg, Krakau, Bukarest, Budapest bis nach Wien. An jedem Halt organisierte er Modeschauen, die sowohl gesellschaftliche Ereignisse als auch clevere Werbemaßnahmen waren.

Diese Geschäftsreisen boten ihm zudem die Gelegenheit, Künstler zu treffen, Museen zu besuchen und Textilien sowie Stickereien einzukaufen. Für den Transport seiner Modelle und Kleider nutzte er edle Koffer von Louis Vuitton, die in der Ausstellung ebenfalls zu sehen sind – ein Hinweis darauf, wie sehr Poiret schon damals auf Qualität, Luxus und internationale Strahlkraft setzte.

1913 war er der erste französische Couturier, der in die USA reiste, wo er große Bekanntheit erlangte. Seine Reisen durch das Land fanden breite Berichterstattung in der amerikanischen Presse, die ihm den begehrten Titel „King of Fashion“ verlieh.

ENRICHING THE MIND THROUGH TRAVEL

Neben seinen Geschäftsreisen liebte Paul Poiret es, neue Horizonte zu entdecken. 1910 unternahm er eine Mittelmeerreise mit Künstlerfreunden und erkundete begeistert Italien, Marokko, Tunesien, Algerien und Spanien. Diese Reisen förderten seine Suche nach Authentizität und sein Verständnis anderer Kulturen. Er betrachtete sie als Forschungsmissionen zugunsten der Mode, um Schnitte und Farben zu erneuern.

Dabei studierte er eine Vielzahl von Turbans, Hosen à la Harem und Stickereien, die er nach seiner eigenen Vision neu interpretierte. Die von Poiret entworfenen Anpassungen wurden so zu reinen Modeobjekten, die durch eine traumhafte Qualität veredelt wurden.

ORGANIZER OF PARTIES AND SHOWS

Die Aufführung von Scheherazade durch die Ballets Russes im Jahr 1910, angelehnt an Tausendundeine Nacht, brachte persisch inspirierte Mode nach Paris. Begeistert von diesem Erfolg veranstaltete Paul Poiret am 24. Juni 1911 in seinem Haus eine prächtige Party, die er „Tausendzweite Nacht“ nannte. Er selbst übernahm die Rolle des Sultans, umgeben von seinem Harem und seiner Geliebten, gespielt von Denise Poiret.

Rund 300 kostümierte Gäste versammelten sich in einem von Poiret vollständig gestalteten magischen Ambiente. Als wahrer Anziehungspunkt zog er seine Künstlerfreunde hinzu, um Einladungen, Programme und außergewöhnliche Unterhaltung zu gestalten. Dieses denkwürdige Ereignis verschaffte seinem Modehaus große Aufmerksamkeit und machte Poiret weithin bekannt.

Im folgenden Jahr organisierte er Les Festes de Bacchus im Pavillon du Butard. 1919 richtete er in seinem Pariser Garten ein Freilufttheater, L’Oasis, ein.

FAMILY PORTRAIT

Paul Poiret war der einzige Junge unter fünf Geschwistern, von denen eines 1883 starb. Seine Schwestern waren allesamt sehr kreativ: Jeanne Boivin, Germaine Bongard und die Bekannteste, Nicole Groult. Nicole Groult war eine erfolgreiche Schneiderin und heiratete den Dekorateur André Groult, mit dem sie zwei Töchter, Benoîte und Flora, hatte. Außerdem pflegte sie eine romantische Beziehung mit der Malerin Marie Laurencin, die sie gemeinsam porträtierte.

1905 heiratete Poiret Denise, die er als sein weibliches Ideal betrachtete, wie er 1913 in einem Interview mit Vogue erklärte. Zwischen 1906 und 1916 bekamen sie fünf Kinder: Rosine, Martine, Colin, Gaspard und Perrine. Poiret gliederte sein Unternehmen in drei Abteilungen: Parfums de Rosine, Atelier Martine und Packaging Atelier of Colin.

1928 trennten sich Paul und Denise: Sie nahm wieder ihren Mädchennamen Boulet an, verließ ihren Mann und nahm ihren gesamten Kleiderschrank mit. Für Poiret bedeutete dies den Verlust seiner Frau, Mitarbeiterin, seines Modells und seiner Muse.

RENOVATING THE DECORATIVE ARTS

Auf seinen Reisen nach Wien, Berlin und Brüssel im Jahr 1910 interessierte sich Paul Poiret besonders für Innovationen im Innenraumdesign und in den dekorativen Künsten, vor allem für die Arbeiten der Wiener Werkstätte. Er träumte davon, eine „neue Mode der Möbelgestaltung“ zu schaffen.

Zurück in Paris entwickelte er eine innovative Unterrichtsmethode, die die Spontaneität des Zeichnens betonte. 1911 begann die Martine Schule für Dekorative Künste, benannt nach einer seiner Töchter, zwölfjährige Schüler aus bescheidenen Verhältnissen aufzunehmen. Die Schüler wurden von Marguerite Sérusier, Künstlerin und Ehefrau des Symbolisten Paul Sérusier, betreut.

Zu den Schülerinnen gehörten Agnès Jallat, Martiale Constantini und Gabrielle Drapier. Raoul Dufy unterrichtete Textildruck. Einige Werke wurden im Atelier Martine, das bis 1914 von Guy-Pierre Fauconnet geleitet wurde, produziert. Die Maison Martine verkaufte „modische Objekte“ wie Polsterstoffe, Teppiche, Paravents, Möbel, Tapeten und Puppen.

PAUL POIRET’S STYLISTIC LEGACY

In seinen Memoiren En Habillant l’époque (auf Englisch unter den Titeln King of Fashion und My First Fifty Years bekannt) reflektierte Paul Poiret über das Erbe seiner Kreationen: „Man hat gesagt, dass ich großen Einfluss auf die Epoche hatte und eine ganze Generation inspiriert habe.“

Elsa Schiaparelli, die ihn 1922 kennenlernte, verglich ihn mit Leonardo da Vinci, so sehr beeindruckte sie seine Vielfalt an Talenten. In den 1950er Jahren lobte Christian Dior Poiret als großen Innovator der Mode.

Nachfolgende Generationen von Couturiers und Designern haben Poiret oft auf subtile Weise geehrt, indem sie seine Themen aufgriffen oder gemeinsame Inspirationsquellen nutzten, ohne ihn direkt zu nennen. Die hier präsentierten Beispiele zeigen, auch wenn sie nicht vollständig sind, die Reichweite seines kreativen Erbes.

Die Ausstellung im Musée des Arts décoratifs bietet einen beeindruckenden Einblick in das kreative Universum von Paul Poiret. Rund 550 Exponate von Kleidung über Accessoires bis zu Kunstwerken zeigen seinen Einfluss auf Mode, Parfum, Feste und Gastronomie. Besonders eindrucksvoll sind seine Innovationen wie die Abschaffung des Korsetts, neue Schnitte und Stoffe sowie die Kooperationen mit Künstlern wie den Fauves oder Erté.

Poiret wird als Visionär, Künstler und Unternehmer sichtbar, der Reisen, Partys und Inszenierungen geschickt nutzte, um Mode und Kultur zu verbinden. Der Bezug zur zeitgenössischen Mode wird in der Ausstellung nicht immer direkt hergestellt, lässt sich jedoch gegen Ende an zahlreichen Beispielen erkennen. Die Ausstellung vermittelt eindrucksvoll das anhaltende Erbe des Couturiers.